MURCIA JHON JADER

JHON JADER MURCIA OROZCO

¿Qué es arte?Poder definir el arte es una tarea que puede causar diferentes opiniones y en muchas ocasiones ser una tarea un poco compleja. Tenemos que partir del hecho que el arte está ligado a las percepciones y a las vivencias que muchos de nosotros hemos tenido, es decir que nuestra propia definición de arte estará basada en lo que hacemos, en lo que creemos bello, en los conocimientos que nos han dado sobre lo artístico y en general en el sentido que le damos a lo que observamos.Para el común de la gente arte es el resultado de una actividad excepcional, y con excepcional se quiere decir que es una actividad no rutinaria, diferente. Y una forma de vida.Para un periodista su escrito puede ser catalogado para el mismo como una obra de arte, ya que lo considera magistral, bello, con estilo, con perfección lingüística, pero ese mismo escrito para un pintor puede carecer de creatividad, de esencia, de imagen, de color, es por este motivo que la definición de esta palabra puede llegar a ser en cierta medida indefinible.De acuerdo con nuestras capacidad de convertirnos en espectadores y de poder en ciertamedida ser observadores de lo que nos rodea es que se da la capacidad de lo que pensamos como “artístico” un ejemplo claro es cuando un niño, por casualidad, entró a las cuevas de Altamira, el niño no Salió pensando que había encontrado arte, simplemente observó unos animales pintados.Mientras que la visión de un arqueólogo va a ser diferente creerá que encontró una evolución cultural representada en los dibujos encontrados, un historiador va a rectificar las fechas, un químico analizará los pigmentos, etc. Con estos ejemplos lo que se busca es decir que estas pinturas encontradas en las cuevas de Altamira, desde diferentes puntos de vista fueron interesantes, pero completamente diferentes.El primer paso para una filosofía del arte es introducir el intento de una definición, la palabra arte viene del Latín arts que designaba al igual que la palabra griega techné una suma o conjunto de conocimiento o una forma de adiestramiento especializado.Esta dificultad de definir el significado de arte resulta consoladora y desconsoladora ya que desde sus propios inicios la palabra en sí tuvo problemas para ser definida, en su desarrollo la palabra latina arts vino a ganar la carrera a Poyetes y en las lenguas románticas terminó por englobar todo lo que significa ser un artista.Es por este motivo que poder decir que es arte es una tarea difícil que se asocia con la sensibilidad con el amor por lo bello, es algo difícil de precisar, algo que en general sabemos que es, pero que muy pocos logramos entender.
Esta pintura está dentro del rango de arte de cuevas y se denomina "la cueva de las manos", realizada hace 9500 años. En su composición se puede apreciar una serie de contrastes en cuanto a las formas de las manos, dibujos geométricos, grupo de líneas, diferentes puntos, formas de animales y la representación del sol; esta serie de elementos nos llevan a reflexionar sobre el tipo de organización social que imperaba en la época, además de la diversidad de culturas. En mi concepto el objetivo central de quienes realizaron esta obra es graficarnos todo su sistema de caza, supervivencia, la labor de la tierra y una especie de calendario para cosechar la tierra, representado en el sol.De otra parte esta pintura tiene 24 metros de profundidad y 15 metros de ancho, hecha sobre roca.
	Esta pintura de género rupestre representa a un grupo de cazadores atacando a varios venados que salen de un río, dandónos una interpretación del estilo de caza utilizado, en el cual prevalece la figura humana dándole más importancia en cuanto a elementos como el trabajo en equipo, la lucha y la diversión. Esta escena también muestra de forma destacada del uso de arcos y flechas, armas que no ven en el arte paleolítico anterior. Características generales: En esta obra se ven detalles como:1. Composición diagonal.2. Caracter narrativo.3. Convencionalismos: Utilización de armas.4. Manocromía.5. Esquematización.
Esta es una pintura de 1964, realizada por el pintor René Magritte, la compone varios elementos, en un primer plano vemos a un hombre de traje y como característica resaltante es la manzana verde que tapa su rostros (Acento), al fondeo se divide el paisaje en tres partes: un cielo nublado, el mar en calma con un azul que inspira tranquilada en contraposición del tono gris de las nubes que genera tristeza; después ,lo acompaña un muro compuesto por bloques de piedra tallados a mano que dejan ver su antigüedad y su riqueza histórica. En cuanto a la posición de sus brazos se observa que la mano derecha del sujeto esta al frente y la izquierda un poco más atrás.Esta obra a simple vista denota la soledad de un hombre citadino que no encuentra su propia naturaleza, la rigidez de su cuerpo nos permite entrever la estructura social que enmarca el consumismo que vive en la ciudad en donde todo el mundo presume algo más.
	La visión del artista es descontextualizar el cuadro interno y posicionarlo como una imagen tangible y real, es de mostrar que el cuadro puede tener un alma visible para su propio creador. Este está basado en el realismo por las facciones de los personajes que ella intervienen, en la utilización de la luz y la paleta de colores utilizados, lo que da la sensación de no solo ser un observador sino hacer parte de la pintura.
ARTE DE LA PREHISTORIA Introducción histórica: Prehistoria: Es el periodo que estudia el pasado de la humanidad previo a la invención de la escritura y se divide en tres grandes etapas: ü El Paleolíticoü El Neolítico ü La Edad de los Metales# Paleolítico. Se subdivide en tres fases: Paleolítico Inferior, Paleolítico Medio y Paleolítico Superior. Significa “piedra vieja” y hace referencia a la técnica de la talla que se empleaba en la fabricación de útiles de piedra. Cronología: La cronología del Paleolítico en la Península Ibérica se remontaría a la de los restos humanos más antiguos encontrados en el yacimiento de Atapuerca (Burgos) con una antigüedad de 780.000 a. C. hasta el 10.000 a. C. Rasgos:1-Durante el Paleolítico fue cuando se desarrolló el proceso de hominización (la adquisición por el género humano de los rasgos que le caracterizan como especie). 2-Los hombres del Paleolítico tenían una economía depredadora y para buscarse el sustento recurrían a la recurrían a la recolección de los productos que le ofrecía la Naturaleza, así como de la caza o la pesca. 3-Además eran poblaciones nómadas, que estaban en continuo desplazamiento y no tenían un lugar fijo para vivir ( se refugiaban temporalmente en cuevas o abrigos rocosos). 4-La fabricación de útiles de piedra tallada (cantos trabajados, bifaces, raederas, hendedores...) y sobre hueso. B) Neolítico. Significa “piedra nueva” (en comparación con el Paleolítico: “piedra vieja”) y se asocia a un modo peculiar de fabricar los útiles de piedra, como fue la de la pulimentación (alisado de la superficie), frente a la talla, propia del Paleolítico.	Cronología: Desde aproximadamente el 4.000 a C. hasta el 2500 a C. para la Península Ibérica. Características: 1-La aparición de una economía productora, basada en nuevas actividades como: la agricultura y la ganadería. 2-El surgimiento de poblados estables. Los grupos humanos se volvieron sedentarios. 3-El uso de la técnica de pulimentación de la piedra (hachas, azuelas...) 4-El empleo de la cerámica y la fabricación de tejidos. C) Edad del Cobre o Calcolítico. Es la primera de las correspondientes a la llamada Edad de los Metales, la cual viene definida por la metalurgia o fundición de metales para hacer objetos diversos. En concreto el Calcolítico se caracteriza por el empleo del cobre. Cronología: Para la Península Ibérica el Calcolítico estaría comprendido entre el 2500 y el 1700 a. C. Características: 1-La progresiva especialización del trabajo. Surgen personas especializadas en la fabricación de diversos objetos: alfareros, metalúrgicos, orfebres, carpinteros, tejedores, etc. 2-La aparición de una serie de jefes con poder político con la suficiente entidad como para organizar las comunidades y realizar obras colectivas (construcciones megalíticas). 3- El comienzo de la diferenciación en grupos sociales, debido al enriquecimiento de determinados grupos frente a otros a consecuencia de las nuevas actividades (metalurgia, comercio...), lo cual se comprueba en los objetos encontrados en ajuares funerarios. 4- La difusión de la metalurgia o fundición de metales,(para hacer instrumentos como puñales, puntas de lanza, etc.), en este caso el cobre, y el comercio o intercambio de productos. 5-La realización de construcciones megalíticas (dólmenes, sepulcros de corredor, etc.)
ARTEü Arte muebleü Arte parietal (rupestre)* Pintura rupestre franco-cantábrica Pintura rupestre levantina ü MegalitismoArte mueble:Localización y cronología: Se dio en Europa durante el Paleolítico Superior. Hace unos 35.000 años Soportes: Se trata de piezas de pequeño formato que se pueden transportar. Materiales y tipos: esculturillas de marfil, piedra o de cerámica; plaquetas de piedra, huesos planos, útiles (bastones, arpones, azagayas, propulsores...), etc. decorados con grabados- Temática: Los temas más representados son trazos más o menos simétricos, representaciones de animales, de signos y representaciones antropomorfas (con forma humana). Las representaciones animales son las más abundantes (mamuts, renos, ciervos caballos, bisontes). Entre las representaciones antropomorfas resaltan una serie de estatuillas femeninas (bulto redondo o relieve), llamadas “Venus”. En las que aparecen figuras de mujeres desnudas - normalmente obesas- que resaltan los signos femeninos: pechos, caderas.., mientras que la cara, brazos y piernas apenas se remarcan. Se relacionan con los cultos a la fecundidad o fertilidad, es decir, con la importancia del papel reproductivo de la mujer para asegurar la descendencia y así perpetuar al grupo.

Arte parietal (rupestre)
Arte rupestre franco-cantábrico.

Localización: Europa (el 90% de las manifestaciones están en la región francocantábrica).
Cronología: Existen dificultades para datar estas pinturas. Se ha intentado hacerlo haciendo una comparación estilística con el arte mueble. Estas pinturas se enmarcarían durante el Paleolítico Superior (Lascaux: 25.000 años, Altamira: 15.000 años).
Soportes: Normalmente se emplearon paredes y techos de cuevas. Se localizan en estos lugares debido a las duras condiciones climáticas (finales de la glaciación Würm).
Temática: Los temas que se desarrollaban en las pinturas rupestres franco cantábricas eran:
1-Representaciones de animales (sobre todo el caballo, en menor cantidad el bisonte). En la Península Ibérica también son importantes: el venado, las ciervas, las cabras y los bóvidos. Las especies de clima frío son más escasas: el mamut, rinoceronte lanudo, etc.
2-Signos, que aparecen solos o asociados a las figuras de animales (círculos, triángulos, bastones, etc).
3-Manos en negativo, a veces con dedos amputados.
Materiales: Para pintar se utilizaban colorantes naturales, los más empleados eran el óxido de manganeso (tonalidades negro – violáceas) y el óxido de hierro (tonalidades entre rojo y ocre). También se emplearon el carbón y en algunos casos la sangre.
El aglutinante que se utilizaba era grasa animal, que consiguió una buena adherencia sobre las rocas porosas de las cuevas.



Técnicas de representación:
1-Se pintaba empleando bien los dedos o sirviéndose de pinceles de cerda (pelos) de animales. En ocasiones se hacían grabados de la figuras mediante buriles. Sobre los grabados frecuentemente se hacían dibujo con trazos finos.
2-Podía aparecer el dibujo de la silueta de las figuras en color negro (monocromas); o bien en otras ocasiones se le añadía a la silueta en negro un relleno en diversos tonos de rojo que producía pinturas policromas. Además era frecuente que el artista se sirviera de las rugosidades de la roca para acrecentar a la sensación de volumen.





Interpretaciones sobre su significado:
1-La más popular es la defendida entre otros por Henri Breuil. Esta teoría atribuye una connotación mágica a las pinturas rupestres: la representación de un animal propiciaría (favorecería) su posterior caza.
2-Otra hipótesis defendida por autores como André Leroi-Gourham, la cual parte del análisis de la localización y asociación de los temas en las cuevas, llegando a la conclusión de que los artistas primitivos tenían una visión dual del cosmos basada en la asociación antagónicas de dos principios: el femenino (bisontes, mujeres) y el masculino (hombres-caballos).
Técnica y materiales. La técnica empleada casi exclusivamente es la pintura, aplicada con pinceles o plumas. Las representaciones suelen ser monócromas, utilizándose colores como el negro (óxido de manganeso), el rojo (óxido de hierro) o en algunos casos el blanco.
Interpretaciones:
1-Algunos le otorgan a estas representaciones un significado narrativo. Siguiendo esta línea estas pinturas simplemente relatarían hechos de la vida cotidiana que se querían recordar.
2-Otros inciden en el sentido mágico o religioso - los que esto afirman se han fijado que los lugares donde se hallan estas pinturas son casi inaccesibles y no coinciden con los lugares de habitación y que dichas pinturas suelen estar agrupadas en un mismo lugar -.
El Megalitismo:
Definición: Fenómeno cultural que se caracterizó por la construcción de enterramientos colectivos bajo grandes y variados monumentos de piedra. El término megalitismo viene de “megalitos” (megas: grande; litos: piedra), nombre que se empezó a utilizar -en el s. XIX- por el material y el colosalismo de algunas de estas construcciones.
Localización: Europa. En la Península Ibérica hay abundantes manifestaciones megalíticas en el área Suroccidental (Andalucía, Extremadura, Portugal).
Cronología: El megalitismo se desarrollaría en la Edad de los Metales y dentro de ella se relacionaría con el Calcolítico o Edad del Cobre.
Contexto histórico: Los monumentos megalíticos hay que relacionarlos con las primeras sociedades - las asentadas en las costas atlánticas europeas- que adoptaron la costumbre de realizar enterramientos colectivos protegidos por túmulos (sepulcros levantados de la tierra) de piedras y tierra. También algunas de estas manifestaciones se asocian con el culto al Sol.

ESCRITURA JEROGLÍFICADEFINICION Y ORIGENLa palabra jeroglífico proviene de las raíces griegas ιερος – hiero (sagrado) y γλυφειν - glyphein (grabar), significa grabados sagrados.Sus inicios aproximadamente hacia el año 3300 a. C. hacia el mismo periodo en que surgió la escritura cuneiforme en Mesopotamia. Fue empleada durante más de 3600 años, pues la última inscripción conocida se graba el día 24 de agosto de 394 y se encuentra en el templo de File.ü Expresan sonidosü Compuestos de 1, 2 o 3 signosEscritura Jeroglíficaü Las escrituras estaban basadas en la representación de elementos tomados de la naturaleza, objetos de la vida cotidiana, animales, plantas, partes del cuerpo, etc.ü Como soporte físico se utilizó inicialmente la piedra y la madera, luego se buscaron otros tipos de materiales que permitieran una mayor facilidad de uso y una mayor portabilidad, como los papiros, los pergaminos y la ostraca (fragmentos pequeños de cerámica).	EL PAPIROEl material de escritura más difundido en el mundo antiguo fue el papiro, utilizado por los egicpcios durante el tercer milenio a.C. y usado después en Grecia y Roma.Las hojas de papiro no soportaban los dobleces, por lo que se pegaban para que formaran una larga tira contínua que después se enrollaba en torno a una varilla de madera.ORIENTACION Y ESCRITURALa escritura jeroglífica era flexible, pues podía ser escrita en columnas o filas, de igual manera la dirección de los signos podía cambiarse de derecha a izquierda, de izquierda a derecha, en bustrófedon (primer renglón de izquierda a derecha y el siguiente de derecha a izquierda) y vertical de arriba hacia abajo comenzando por la derecha y comenzando por la izquierda.Para reconocer el principio de un texto y la orientación con la cual está escrito, se tiene varias reglas básicas:* Nunca escribían de abajo hacia arriba Signos con formas humanas y animales son el inicio de un texto Cuando el texto es un dibujo o una leyenda, todos los signos están orientados hacia la imagen a la cual acompañan
¿CLÁSICO? ¿CLASICISMO? El “arte clásico” es un concepto de la Historia del Arte que nos remite a la Antigüedad, época en la que se forjaron las bases formales y estéticas del arte occidental. Unos ideales a los que se volverá, de forma recurrente, en diferentes momentos de la historia. Pero quizás deberíamos plantearnos primero la siguiente pregunta: ¿qué entendemos por “clasicismo”? ¿Algo pasado de moda? ¿algo que representa un ejemplo o paradigma de perfección? ¿la encarnación de un ideal?. El término “clásico” se utiliza con mucha frecuencia, pero en la Historia del Arte sólo hay un arte clásico, y éste nació y se formó en la antigua Grecia y tuvo su continuación en la época del Imperio Romano. EL PERÍODO CLÁSICO (S. V- IV A. C.) El período clásico (s. V-IV A. C.) representa la culminación y perfeccionamientode todas las manifestaciones artísticas griegas, tanto a nivel formal como técnico. Esta plenitud coincide, y no por casualidad, con el apogeo político, económico y cultural de las “Polis” griegas, en especial Atenas. En estos años nace la “Democracia” como forma de organización política del Estado. El siglo V a. de C. es el verdadero siglo de oro de la cultura griega. La decadencia política de las polis a lo largo del s. IV a. de C., consecuencia directa de las guerras del Peloponeso, marca un cambio fundamental en el arte, que evoluciona hacia nuevas formas de expresión.	EL TIEMPO HISTÓRICO Y LA EXPANSIÓN DEL ESPACIO FÍSICO ORIGINARIO. EL PERÍODO ARCAICO El período arcaico ( 700-500 A. C.) es una época de formación, de tanteo y concreción de algunas de las formas que culminarán en la siguiente etapa. En estos primeros tiempos afloran y se perfeccionan, sobre el sustrato propio, las diferentes influencias que concurren en el arte griego: la de la civilización cretense, la civilización Micénica y, sobre todo, las grandes civilizaciones orientales, especialmente la Egipcia. Es una época en la que el arte evoluciona desde el geometrismo y la abstracción de raíz oriental hacia el naturalismo expresivo.
Apartir de una "Palabra, crear una escena describiendo de manera detallada que la produce, acto seguido escribir igualmente cómo se desarrolla la acción para obtener el resultado "Solución". Revolución: Un niño de corta edad, recién bañado, con aspecto pobre, sale se dirige al escenario principal en donde se detiene y unas manos adultas de aspecto fuerte e imponente ponen sobre el niño una chaza de vender dulces El niño empieza a caminar venciendo diferentes obstáculos que simbolizan la difícil tarea del diario vivir, allí se encuentra con un balón, el cual recoge con ansiedad y anhelo de jugar, pero que de inmediato patea y devuelve, tomando de nuevo la chaza ya que tiene q seguir trabajando. Al caminar pasa por encima de unos cuadernos y lápices los cuales pisa y no presta atención y continua caminando, en un momento siente ganas de comerse uno de los dulces de la chaza, lo agarra y lo mira con deseo y luego de pensarlo lo deja de nuevo en la chaza. Aparece una mujer y luego de observar cómo se encuentra todo, empieza a arrancar los papeles de la pared transformando el escenario principal hasta dejar un lugar agradable y limpio. La mujer se encuentra con el niño, le quita la chaza, lo abraza y lo alza demostrándole confianza y protección, el niño se aferra a ella y juntos sonríen y observan con agrado el nuevo lugar. Solución: La historia plantea a un niño y a una mujer en dos entornos totalmente diferentes. el primero en busqueda de un cambio circunstancial a la situaión crítica que pasa el niño. La idea de una revolución es cambiar los aspectos negativos que se tienen sobre la misma, es buscar alternativas que logren eses cambio social que se espera, al final se muestra una solcuión concreta y es la llegada de la mujer como parte integral del ser humano, se conjuga un gran contenido social y simbólico, en el cual se pretende un cambio radical.	Características del vestuario en el Renacimiento.docx Details Download 781 KB
CAPITULO 7 El libro Alemàn Ilustrado Las civilizaciones antiguas siempre afrontaron problemas para poder recopilar y distribuir la información. La palabra hablada era la fuente de sabiduría y memoria cultural más usada, pero no la más confiable, pues la generaciones recibían el legado de sus antepasados por medio de palabras que poco iban perdiendo su veracidad, además estas palabras eran limitadas y no guardaban la complejidad necesaria para convertir la información en conocimiento verdadero.Los avances en diseño y técnicas de impresión manual se desarrollaron en Europa como búsqueda de soluciones que hicieran más fácil la comunicación escrita. Gutenberg quien era un herrador Alemán después de muchos experimentos e inventos inútiles dio con lo que se conocería como la imprenta de tipos móviles que más que un método sencillo y práctico de usar piezas de metal para grabar la tinta en el papel. Este método en principio no es nuevo y ya se efectuaba hacia el siglo 15 y en gran parte de oriente, pero Gutenberg lo hizo rápido al punto de poder imprimir en masa, en grandes cantidades en muy poco tiempo.	La imprenta fue pieza fundamental para la propagación de los derechos del hombre y soberanos del pueblo.Estabilizo y unifico los idiomas tales como ingles, francés y alemán en el cual hacia parte de la gramática y la ortografía donde crea un medio masivo de lectores.En el tiempo medieval los campesinos no tenían medios para el alcance de tener estos libros, los cuales creció el índice del analfabetismo debido a que tener esta clase de libros les costaba sus tierras.Debido a esto el costo de los libros decayó como lo eran las escrituras populares, las novelas románticas que eran parte fundamental para la época del renacimiento.Este hecho fue todo un acontecimiento cultural, pues los copiadores como se les llamaba a los que escribían textos a mano y por encargos, se vieron en problemas porque el sistema era efectivo y auguraba un buen futuro. Estos copiadores empezaron a verse arrinconados, perdiendo gran número de clientes por lo que pusieron demandas por daños y perjuicios y competencia desleal, pues la imprenta de Gutenberg era un sistema con el que ningún hombre podía competir. Después de muchas vueltas estos copiadores perdieron sus demandas y poco a poco sus trabajos. Sin embargo algunos copiadores e ilustradores fueron más astutos y acompañaron el proceso de la imprenta haciendo lo que la maquina no hacía y era dibujar y decorar. Muchas nuevas empresas de imprentas necesitaron de ilustradores que lo hicieran en masa para poder mejorar sus libros y su imagen.La libertad de expresión y de pensamiento se fortaleció, porque la comunicación se democratizo. Y los escritores, pensadores y diseñadores se encargaron de desarrollar y mejorar el mundo de la imprenta al punto que hoy en día aun recibimos ese valioso legado.Aparece la impresión multicolor de Fust y Schoeffer, el cual encareció los libros iluminados el cual se dice el alza de debió a presión política para que los rubricantes continuaran haciendo sus libros tipográficos.Se crearon formatos en pliego sueltos, el cual el compositor era libre de diseñar y distribuir sus textos e imágenes a su consideración.
EL DESARROLLO DEL LIBRO ILIUSTRADOLos centros de impresión se convirtieron también en centros de producción de libros ilustrados, con bloques de madera. Gunther Zainer comenzó una imprenta de libros ilustrados en Asburgo, el primer libro ilustrado uso letra gótica redondeada y grabados en madera. Con esta técnica el libro impreso se fue haciendo independiente del manuscrito, ya que ahora las ilustraciones también se podían imprimir. Después introdujeron sombras y después otras técnicas de ilustración. Con el desarrollo de la imprenta el desarrollo de los formatos de los libros también fue importante, ya el formato tradicional era grande igual al de las biblias litúrgicas, los impresores tuvieron problemas para vender estos libros y se comenzaron a adaptar a formatos más pequeños. En el s.XV un alemán de nombre Johann Gensfleisch Zun Gutemberg, juntó los sistemas necesarios para imprimir el primer libro: la Biblia, volumen en 42 líneas. Para lograr esto, inventó tipos de metal independientes, móviles y reutilizables creando al mismo tiempo una tinta especial, más espesa y pegajosa para la impresión de estos tipos, que sería empleada por más de 400 años. El desarrollo del primer libro tipográfico alternado con ilustraciones fue: “el Agricultor de ohmen” impreso por el también alemán Albrecht Pfister alrededor del año de 1460 usando también el mismo tipo de Gutemberg, y palcas de madera. Esta sería la plataforma que permitió ampliar las posibilidades de la ilustración de textos y su reproducción.	En 1658, Jan Amos Comenius (considerado el padre de la pedagogía moderna, fue el primero que intentó renovar los libros de texto en base a las ilustraciones), publicó su libro “Obis Pictus”, el cual causó un revuelo entre los educadores de su época, puesto que se trataba de un libro cuyas imágenes transmitían tantos conocimientos como los textos. Por tanto, es de suponer que en el libro ilustrado, “el niño tendrá su primer encuentro con una fantasía estructurada, reflejada en su propia imaginación y animada por sus propios sentimientos. Es allí donde, a través de la mediación de un lector adulto, descubrirá la relación entre el lenguaje visual y el lenguaje verbal. Luego, cuando esté solo y repase las páginas del libro, una y otra vez, las ilustraciones le harán recordar las palabras del texto”. El grabado en madera subsistió por varios siglos, permitiendo la reproducción de línea en alto contraste, razón por la cual en trabajo con grises fue muy limitado, casi inexistente. Durante el s. XV, la tradición de la impresión de naipes estaba en su apogeo, cuando un artista, cuyo nombre no se conoce, desarrollo los primeros grabados en placas de metal. El empleo del grabado como medio de reproducción de ilustraciones se popularizó aún más en ese siglo con los trabajos ejecutados por Albretch Dürer, a quien después se conocería como el maestro del grabado.
El Diseño Gráfico del Renacimiento El diseño grafico del renacimiento italiano se da en Venecia, puerta de Europa para comercias con naciones de oriente, la india y del mediterraneo. Comienza con el monopolio de la imprenta de Johannes de Spira innovando con su tipo romano y elegante. Cuando este muere, la imprenta queda en poder de su hermano. Y mientras tanto el francés Nicolas Jenson llega a Venecia con el fin de montar una segunda imprenta, y aprovechando sus habilidades como grabador de monedas creó varios de los mejores tipos conocidos hasta esa época teniendo sumo cuidado en la separación de las letras en cada molde para mejorar y volver más fluida la lectura; fue así reconocido como de los mejores diseñadores tipográficos de la época. A este inicio del uso de la imprenta en Italia se sumo, desde Hamburgo, Erhard Ratdolt cuyo primer libro fue publicado con un astrónomo llamado Johan Muller y fue el primer libro en tener una portada completa haciendo más fácil de identificar este libro llamado el “calendarium de regiomontanus” y es éste libro un paso más hacia la divulgación de conocimiento y el olvido de supersticiones y temores sin sentido a sucesos descubiertos e investigados por la ciencia; se divulga conocimiento científico y no solo religioso. Radolt también innovo en el uso de iniciales ornamentadas y elementos de diseño que se usaban mucho en la época como las enredaderas de flores y líneas delgadas y curvas para ornamentar un libro, grabándolos e imprimiéndolos, restándole al ilustrador una función más en la elaboración de un libro. Y como si fuera poco fue pionero en la creación de la marca comercial en libro usando cierto distintivo en sus impresiones.	Con el fin de publicar lo más parecido de la época a una enciclopedia Aldus Manutius crea una imprenta, y hace una recopilación de los trabajos más importantes de los grandes pensadores griegos y romanos. Creo la Prensa Aldina con la que llego a ser reconocido rápidamente por muchos logros e innovaciones de este personaje junto con su compañero Francesco de Bologna, apodad Griffo quien fue el primer grabador de tipos itálicos, con las que ciertos escépticos se empezaron a sentir mas cómodos viendo trazos largos y rápidos como los de su propia escritura a tipos estáticos como lo eran el resto hasta el momento, para las ediciones Aldinas además por supuesto de tipos romanos, griegos y hebreos. Percatando una necesidad en el mercado Aldus decide crear libros de menor tamaño y creando un nuevo concepto que seguimos usando el dia de hoy: “libro de bolsillo” algo por supuesto novedoso y muy práctico para la época. Y fue esta pareja la que marco la pauta en el diseño grafico aplicado a libros con su última publicación: El Sueño de Poliphili; donde la armonía de la tipografía e ilustración no ha sido igualada.Entre los destacados de un país vecino encontramos a 2 artistas gráficos, los franceses Geoffroy Tory y el grabador de tipos Claude Garamond.
PROYECTO 010 – ANALISIS DE LOS VIDEOSLos videos propuestos es una hoja de ruta de los avances que ha tenido el hombre en su camino por modernizar sus formas de comunicarse para ello ha utilizado su inteligencia para adaptarse a los cambios y generar herramientas que le permitan desenvolverse mejor en su entorno y en la sociedad, de primera parte se nos presenta dos videos en los cuales podemos hacer un paralelo y es la invención de la imprenta y la creación de la escritura para evidentes, en la primera es JOHANES GUTEMBER quien logra dar un giro en la historia de la escritura de los libros en forma manual a dar el paso a la mecanización más rápida de este ejercicio y es aquí cuando se crea la imprenta, permitiendo dar un paso gigantesco a la escritura. Ya por otro lado y gracias a un joven de 16 años hacia el año 1825 se crea la escritura para invidentes, su creador LUIS BRAILE, quien ofreció una oportunidad a estos para acercarse a los estudios y a la lectura, este proceso consistía en realizar la escritura en relieve.Estos primeros avances sería los pasos cortos en la comunicación del hombre, más adelante se pasaría de la imprenta a las computadores fortaleciendo de esa manera los grandes invenciones.	Desarrollo de las lecturas del cuadernillo *4 HISTORIA & DISEÑO Capítulo 9 "UNA ÉPOCA DE GENIOS TIPOGRÁFICOS" La Romain du Roi En 1640 el cardinal Richelieu instituye la Imprimerie Royale.Más tarde, en 1692, Luis XIV crea una comisión destinada al estudio de una tipografía proyectada según principios científicos, que finalmente resulta impresa por quien ya había creado la tipografía real, Philippe Grandjean, con el nombre de Romain du Roi: zapatillas horizontales, contraste acentuado entre trazos gruesos y delgados, y todas las letras consideradas como parte de un conjunto único.Esta es la primera tipografía que se desvincula abiertamente de la caligrafía corriente, y se la considera antecedente de las tipografías modernas. Si bien se la protege legalmente de los posibles plagios, rápidamente resulta copiada, aunque con oportunos cambios.Así, Simon Fournier (1721–1768) imprime su tipografía, fuertemente personal y más flexible, aunque con abundante decoración, de la que abusará la imprenta sucesiva.Fournier es quien encabeza los estudios de la Imprimerie Royale para establecer una medida precisa para los cuerpos de los caracteres, el punto. De todos modos, quien finalmente establece la medida del punto tipográfico, al menos para Europa, es François Ambroise Didot (un punto es, desde entonces, igual a 0,376 mm). Didot crea incluso una tipografía suya, caracterizada por la regularidad del trazo, así como por el abandono definitivo de los residuos del estilo caligráfico.
La Inglaterra del siglo XVIII: Caslon y BaskervilleDurante todo el siglo XVII, las artes tipográficas inglesas hacen uso de caracteres impresos en Holanda.La evolución del gusto ha traído un acortamiento de los trazos ascendentes y descendentes, y un aumento del contraste entre espesores.William Caslon (1692–1766) es el primer tipógrafo que se opone al monopolio holandés.Sus caracteres reflejan el nuevo gusto caligráfico, que ahora valora sobre todo la ductilidad de la escritura.El puente entre las viejas tipografías y las nuevas de Didot o Bodoni es JohnBarskerville (1706–1775), en Birmingham. Maestro calígrafo primero, sólo en 1751 se dedica a tiempo completo al arte tipográfica. Sosteniendo que la tipografía, la tinta y el papel forman un todo, Baskerville se ocupa personalmente de la producción del papel y de la tinta, así como de la imprenta, logrando resultados más que considerables. Lleva a cabo las sugerencias de Caslon, y así los contrastes se ven acentuados y los enlaces se vuelven más elegantes; las zapatillas superiores de las letras b, d, k, l, i, j, m, n, p, son casi horizontales; se alarga la base de la e; cambia el espesor de los trazos; se asumen los caracteres de la escritura posflamenca.	Capítulo 10 "MECANIZACIÓN DE LA TIPOGRAFÍA" UNA REVOLUCIÓN EN TIPOGRAFÍA Era inevitable que el progreso de la Revolución Industrial modificará radicalmente la imprenta. Para mejorar su eficiencia y el tamaño de las impresiones los inventores procuraban aplicar teorías mecánicas y partes metálicas a la prensa manual. En el año 1800 varias mejoras en la prensa manual, culminaron con la invención de Lord Stanhope de una máquina impresora construida completamente de partes de hierro fundido que la hicieron más fuerte y más eficiente. La prensa de Stanhope permitía el uso de una hoja de papel de impresión del doble de tamaño. El siguiente paso era transformar la imprenta enana operación febril de alta velocidad.Koenig obtuvo la patente para su prensa en marzo de 1810. en abril del año 1811 fabricó su primera producción de prueba: 3 000 hojas del Annual Register. Esta prensa imprimía 400 hojas por hora, en comparación con la producción de 250 hojas por hora de la prensa manual de Stanhope. Otras innovaciones incluyeron un método de entintado de los caracteres por medio de rodillos. El movimiento horizontal de la forma de los tipos en la cama de la máquina y el movimiento del tímpano y la frasqueta eran automáticos.
En el año 1815, William Cowper obtuvo la patente para una máquina impresora que utilizaba placas curvas iguales, dobladas alrededor de un cilindro. Esta prensa lograba 2 400 impresiones por hora y podía ser usada para imprimir 1 200 hojas por ambos lados.La Revolución Industrial se había emparejado con el impresor. La prensa accionada por vapor, de cilindros múltiples de Applegath y Cowper, producía 32 impresiones por cada una que imprimía la prensa manual de Sthanhope.En la década de los años 1830, la imprenta comenzó su increíble desarrollo, pues los periódicos, libros y pequeños impresores se multiplicaron.El valor de la alta velocidad en la impresión accionada con energía de vapor se habría restringido si no se hubiera dispuesto de una provisión económica y abundante de papel. Nicolas Louis Robert, joven empleado de la fábrica de papel Didot, en Francia desarrolló en el año 1798 el prototipo de una máquina para hacer papel, pero disturbios políticos en Francia evitaron que la perfeccionara. Peo en el año de 1803, en Frogmore Inglaterra, estaba en operación la primera máquina para producir papel.Con papel fabricado a máquina, impreso a alta velocidad en prensas accionadas por vapor, se inició una nueva era de conocimiento y educación. Hubo una amplia difusión de palabras y grabados; así llegó la época de las comunicaciones masivas.	MAPPING LOURDES: Una nueva experiencia muy fascinante fue haber asistido a este evento tan importante, donde se mezcla el arte, la cultura y la innovación. Esta nueva alternativa de cultura inventiva la creatividad de los estudiantes a diseñar nuevas propuestas para captar la atención de diferentes personas en torno de una visión analítica de los sucesos que actualmente cobijan nuestro país. Lo describo así porque los temas abordados en cada una de las presentaciones estaban dirigidas a brindar un mensaje sociológico, analítico de lo que actualmente acontece nuestro territorio colombiano. En fin fue una nueva pueda en escena para mostrarle al mundo que Colombia tiene genios en proceso. mapping lourdes
HISTORIA DEL BODY ART Tendencia nacida a finales de los años 60, el artista investiga su propio cuerpo como materia de arte y medio expresivo. Estas acciones a veces se realizaban ante un público especialmente convocado o en soledad, con el artista ante una cámara de video o de fotografía. La obra de estos artistas trata temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los limites del sufrimiento, etc. Podemos diferenciar en el body art una línea más analítica que se practica en Estados Unidos por artistas como Vito Acconci, Chris Burden o Dennis Oppenheim que ponen el acento en las posibilidades del cuerpo, y otra más dramática, la europea representada por Herman Nitsch, Gunter Brus, Rudolph Schwarzkolger o Gina Pane, que incide en la reelaboración de arquetipos, junto a aspectos relacionados con el travestismo, el tatuaje o la sublimación del dolor. Como precursores del body art encontramos el dadaísmo, el happening y más tarde esta muy relacionado con la práctica de las "performance" (acciones), el teatro y la danza.El origen del Body Art, se atribuye al artista Bruce Naumann, quién fue uno de los primeros creadores en realizar obras con su cuerpo en 1965.	Esto es tema de toda la historia de la humanidad, el body art como se conoce hoy a algunas manifestaciones que tienen que ver con usar el cuerpo humano en la creación de composiciones o propuestas de artes visuales... data desde hace mucho tiempo. Desde la antiguedad el hombre siempre a buscado un ideal de belleza y de perpetuación de su imagen en el tiempo y en el espacio... de aquí que en cada cultura se ha derivado alguna especie de "body art", ya bien sea desde el atuendo, hasta como rituales donde se le infligen al cuerpo diferentes tipos de tratamientos, ornamentales y simbólicos, rituales o mágicos, religiosos o míticos... Actualmente todo esto se encuentra en disyuntiva entre lo sociológico como fenómeno que atrapa juventudes o lo artístico como forma de culto o praxis para la representación de la figura humana. Se ejecuta desde la más artística creación pictórica (maquillaje y otros), hasta con el aditamento de elementos (piercings y otros) y realización de marcas en la piel del cuerpo (tatuajes y otros). La experiencia de realizarlo empieza desde la acción inicial y para esto es recomendable hacer un registro audiovisual, si es posible, hasta ver la propuesta como tal, acabada. En algunas manifestaciones es efímero, en otras es permanente y va con el individuo hasta el resto de su vida. Para muchas culturas algunas de las formas en que se presenta el body art, forman parte de sus costumbres y tradiciones, así como de dogmas y religiones.
El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos.Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Vito Bongiorno y Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.El body art tuvo su auge allá por los ´60s, época de experimentación en todo sentido, tanto en lo estético como sobre el propio cuerpo. Es esto último, precisamente, sobre lo que se apoya el body art: la investigación sobre el cuerpo, así como también convertirlo en un objeto estético. La combinación de ambas intenciones volvían al cuerpo un cruce de discursos; se testeaban sus resistencias, su capacidad de mutar, de soportar, de sentir.	CARACTERISTICAS:t *Los modelos deben estar depilados completamente para aplicar la pintura.*Los modelos deben estar desnudos o tener ropa donde sea extrictamente necesario.*Deben utilizase pintura especial para el cuerpo ya que el uso de cualquier pintura ya que pueden provocar alergias graves a la piel.*Se pueden utilizar complementos como pelucas, pero lo predominante debe ser la pintura corporal.
BODY PAINT Body painting es una pintura artistica aplicada a la piel y se considera una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. El hombre prehistóricodescubrió la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros pigmentos que tal vez sirvieron, como pinturas de guerra, para impresionar al enemigo o se utilizaron como señal reconocimiento en la propia tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza. Probablemente incluso antes de que se grabase la primera piedra, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situarse con relación a su ambiente. Esta prácticaservía como instrumento de transformación; los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o se utilizaban sencillamente como ornamento.La pintura corporal reapareció en Occidente a finales del siglo XX. Se trata de un arte transitorio, en el que el pintor crea un dibujo sobre su modelo, y al que se dedican varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria "World bodypainting festival" y el de Bruselas en Bélgica en el Festival Internacional de la película fantástica, "The International Body Painting Contest".La historia empezó a mitad de los '70, la primera fue el dramático ensayo de la fotógrafa alemana Leni Riefenstahi sobre la vida de los Nuba- Sudán. En viajes a territorios aún aislados de la intervención occidental, Riefenstahl pudo registrar una cultura que tenía el cuerpo como protagonista, pintándolo y adornándolo con una creatividad y originalidad únicas. La tradición de aplicar colores y diseños sobre sus cuerpos no tenía que ver con rituales, como es habitual en la mayoría de las tribus, Riefenstahl descubrió que los Nuba se pintaban diariamente según su estado de ánimo.	Pintarse la cara y el cuerpo ha sido, a través de la historia, utilizado con diferentes finalidades: cazar, esconderse del enemigo militar, por cuestiones religiosas o culturales. Y, a la vez, convertir el cuerpo humano en una auténtica obra de arte es una costumbre antiquísima: los egipcios ya usaban la decoración de la piel con motivos de todo tipo.La práctica de aplicarse henna (un tinte natural) en la piel para crear diseños se vuelve cada vez más popular en Occidente, pero esa costumbre ha sido parte de las culturas orientales durante siglos. La henna es una de las más antiguas formas de body painting y tiene su origen en el sur de Asia, el norte de Africa y Medio Oriente. Era aplicada a la piel de manos y pies por la simbología de esas partes del cuerpo. Coincidentemente, esas regiones tienen altos niveles de queratina (la sustancia impermeabilizante de la epidermis). Actualmente, la henna, los pigmentos naturales y los maquillajes corporales son los más utilizados, y pueden contener base acrílica o grasa. A veces, se usan lacas para realzar zonas de brillo o látex, considerado como uno de los materiales de más sencilla aplicación, con el valor añadido de que con él es posible conseguir relieves y formas más allá de las del propio cuerpo. Todos estos materiales se aplican sobre el cuerpo con la ayuda de un aerógrafo, que literalmente "vaporiza" la pintura sobre la piel. Y como se trata de cuerpos vivos, utilizar pigmentos hipoalergénicos y de secado rápido es indispensable si no se quiere dañar la piel. En este sentido, las pinturas con base acrílica o acuosa son más indicadas que las grasas u oleicas. Si bien en el body painting no existe una temática determinada, un recurso muy utilizado es simular prendas de vestir, para que se produzca la ilusión óptica de que la persona pintada no está realmente desnuda.
Colores: utilización y significado simbólicoLas materias utilizadas para fabricar un color son de origen vegetal, mineral y animal. Los pigmentos varian mucho: carbones, cenizas, jugos y semillas de frutas, etc. Los colores universalmente más importantes son el rojos (o marrones), el negro, el blanco, y el ocre.	Los colores más utilizados por los Amerindios son:El rojo muy vivo extracto del Urucù (Roucou (Bixa orellana) ou rocouyer). El negro verdoso que viene del jugo de jenipapo (fruta del árbol Genipa americana). El blanco de arcilla. El negro se obtiene a partir de la pulpa de la fruta genipapo (Genipa americana) o del carbón de madera. [2] El blanco, tomado del polvo de arcilla, se asocia generalmente al luto o a la purificación. El ocre rojo, tomado de la tierra fértil, color de sangre, es símbolo a menudo de energía vital y fecundidad. Por último, el negro, evocador de la noche y el caos primordial, simboliza la nada. El Onges pigmeos de las islas Andamán emplean los colores mineral (rojos, amarillos, blancos y negros) mezclados a aceite de tortuga, como símbolo de protección.
PINTURA Y EXPRESION CORPORAL La fusión de dos lenguajes artísticos como son el arte plástico y la expresión corporal conforman una simbiosis que enriquece a todo el que lo vivencia. Su principal objetivo es expresar en todas sus dimensiones el valor de crear y la libertad de manifestar sensaciones internas que favorecen el crecimiento personal. Una experiencia llevada a cabo en la Universidad Complutense con alumnos y alumnas de diversos países. Esta experiencia nos hace entender que la convivencia de estas dos disciplinas posibilitan para desarrollar competencias y habilidades que encaminan al ser humano a ser mejor persona. Patricia LuLú Stokoe (1919), creadora de la “Danza Libre” denominada así por Rudolf Von Laban, nos habla de los distintos lenguajes artísticos, incluyendo entre otros la danza y la pintura. Por lenguajes entendemos todos aquellos que son capaces de comunicar o expresar a través de sus disciplinas. En definitiva a lo largo de la historia y si hacemos un análisis de las expresiones artísticas que como obras nos han quedado a través de los tiempos vemos que desde el origen del ser humano en la prehistoria ya tenían curiosidad por representar de alguna forma su “modus vivendi”. La necesidad de manifestar artísticamente en las piedras a través de la pintura cómo cazaban, pescaban, hacían sus danzas religiosas, es una manera de saber mucho de ellos. Pero el hombre no solo tenía interés por representar sus formas de vida, ya entonces investigan en sus “lienzos de piedra” formas voluminosas para crear mayor veracidad en los temas que trataban. El volumen, el color, los utensilios que manejaban eran buena muestra de su creatividad y afán investigador. Los cuerpos equemáticos encontrados en unas cuevas pasaban a ser cuerpos con volumen. Es curioso analizar como la danza era un elemento importante en sus vidas y el cuerpo y la pintura ya están presentes en el arte rupestre.	EL CUERPO HUMANO Y SU EXPRESIVIDADTodos estos autores y muchos más que podríamos haber analizado nos dan una idea --de cómo a través de la historia el cuerpo y todo lo que en él está presente, es centro de atención y de inspiración. A través de él sabemos como ha ido transformándose y los distintos cambios que ha sufrido. Podríamos hablar de:Un cuerpo anatómico.- Los cánones de belleza han variado. Desde cuerpos --proporcionados como es el caso de Miguel Angel, a cuerpos carnosos y rollizos en el caso de Rubens, pasando por cuerpos sin formas de Gauguin hasta cuerpos creativos como los de PicassoUn cuerpo en acción.- El dinamismo del cuerpo y el sentido que le da cada autor, desde --las figuras estilizadas danzantes de la prehistoria, pasando por cuerpos helénicos haciendo deporte o danzas acrobáticas, hasta cuerpos dinámicos como son los de Degás con sus bailarinas o cuerpos estáticos y relajados como los de Gauguin. Como dice Davis Flora (2005, pag: 109), cada cultura posee su propio estilo de movimientos característicos.Cuerpo y género.- La visión femenina del cuerpo. Utilizada para distintos fines a lo --largo de la historia como es el caso de las esculturas de Venus embarazadas símbolo de la fertilidad, hasta la visión de la mujer como símbolo de la virtud y el idealismo en el renacimiento, pasando por la visión de la mujer en el arte cristiano cuerpo pecador, también un cuerpo erótico como los de Tiziano o un cuerpo delicado, duro o estático y creativo como los de Piccaso.Cuerpo y costumbres.- Un cuerpo que caza, que pesca, que danza como en la prehistoria, --un cuerpo hace sacrificios, que usa utensilios, que trabaja en el campo, un cuerpo vivo en cada época que nos informa de la vida y costumbres del momento. La espresión del cuerpo en la Danza...
TATUAJES Historia Los tatuajes fueron una práctica eurasiática en tiempos neolíticos, encontrándose incluso en una momia de la época 200. En el año 1991 se encontró una momia neolítica dentro de un glaciar de los Alpes austro-italianos: la momia tenía 57 tatuajes en la espalda. Esta momia es conocida como el Hombre del Hielo o como Ötzi, es el cadáver humano con piel más antiguo que se ha encontrado y su antigüedad varía según distintos autores, Cate Lineberry del Smithsonian lo sitúa alrededor de 5200 años de antigüedad.A partir de este descubrimiento se puede decir que el tatuaje es tan antiguo como el propio ser humano. Sin embargo, las distintas culturas que utilizaron el tatuaje lo hicieron de distintas maneras; tanto como arte en el sentido de creación de significados rituales o simbólicos, caso del Antiguo Egipto, como para marcar o señalar a los criminales, que es el caso de las antiguas Grecia y Roma. Incluso en el caso del Hombre de Hielo se cree por la posición de las marcas que cumplieron un fin terapeútico.	La palabra tatuaje proviene de la palabra inglesa «tattoo», que a su vez proviene del término samoano «tátau», que significa marcar o golpear dos veces (refiriéndose este último al método tradicional de aplicar los diseños o plantillas). Los marineros que viajaban por el Pacífico encontraron a los samoanos, y quienes quedaron fascinados por sus tatuajes, equivocadamente tradujeron la palabra «tatau» como tatuaje. En japonés la palabra usada para los diseños tradicionales o aquellos diseños que son aplicados usando métodos tradicionales es «irezumi» (inserción de tinta), mientras que «tattoo» se usa para diseños de origen no japonés. En español los entusiastas del tatuaje pueden referirse a los tatuajes como «tattoos», o el término castellanizado de «tatu», aunque ninguno de estos dos términos están todavía recogidos en el Diccionario de la Real Academia Española. A continuación haremos una lista de las culturas y usos del tatuaje más destacados. Intentaremos mantener una linealidad cronológica en la medida de lo posible.
Polinesia: aparentemente, esta región del mundo es que la posee la tradición tatuadora más prolongada. Las diferentes tribus de la Polinesia utilizaban el tatuaje como ornamentación corporal sin que por ello éstos pierdan su fuerte sentido comunal. El tatuaje comenzaba a muy temprana edad y se prolongaba hasta que no quedará región del cuerpo virgen de los pigmentos. Más allá de su sentido estético, el tatuaje confería jerarquía y propiciaba el respeto comunal a quien los llevaba en su piel: cuanto más tatuado estaba alguien, más respeto se le debía. De manera particular, los maoríes utilizaban el tatuaje para la batalla. Los dibujos que llevaban en la piel contribuían a su famosa estrategia de asustar a sus enemigos. Egipto: en este caso era mayormente las mujeres las que se tatuaban. Se le confería al tatuaje funciones protectoras y mágicas. El carácter sobrenatural del tatuaje no fue exclusividad de Egipto: muchas culturas le otorgaron este poder a los tatuajes América:en América del norte, los indígenas utilizaban los tatuajes como parte del ritual de paso. Cuando una persona pasaba de la pubertad a la adultez se la tatuaba con el fin de proteger su alma. Sin embargo, ésta no era la única utilización ritual que se hacía del tatuaje en esta región del mundo. En América central, las tribus utilizaban los tatuajes a modo de conmemoración de los caídos en batalla y como forma de adoración de los dioses.	Oriente: aproximadamente en el siglo X a.C. el tatuaje llegó al Japón. A partir de su inserción en la cultura nipona el tatuaje fue siendo utilizado por sectores cada vez más poderosos hasta llegar a ser utilizado por un Emperador en el siglo V como ornamento corporal. Señalamos su utilización estética porque en Japón existía la costumbre de destinar el tatuaje para marcar a los delincuentes. Esta marca tenía el objetivo de hacer de las personas que desobedecían la ley gentes repudiables para toda su vida y en todos lados a raíz de llevar la marca de la vergüenza consigo. Suikoden es una novela china que fue traducida al japonés en el siglo XVII. Este libro renovó el interés en el tatuaje haciendo de él una forma popular de decoración y de coleccionismo. En Japón se ha conformado una de las tradiciones tatuadoras más importantes del mundo. No obstante, en el año 1842 el emperador Matsuhito decidió prohibir la práctica del tatuaje. Esto sucedió porque el país estaba interesado a abrirse al mercado mundial y no quería dar una imagen de barbarie ante el mundo. Occidente: el tatuaje llegó a Occidente por vía marítima. Las expediciones del capitán James Cook a las islas de la Polinesia fueron el punto de partida del tatuaje hacia Occidente. En estas expediciones los marineros tuvieron contacto con los indígenas maoríes y con otras tribus que les “enseñaron” el arte de tatuar. A su retorno, los marineros abrieron sus propios estudios de tatuaje y popularizaron esta disciplina entre los sectores populares. En 1870 se abre en New York lo que aparentemente fue el primer estudio de tatuajes.
SIGNIFICADO TATUAJES La sociedad tiene una visión equivocada de los tatuajes y, lejos de ser un vínculo con las pandillas, representan una cultura sin prejuicios, de criterio amplio. No hay edad, personas jovenes que buscan embellecer su cuerpo y también personas maduras que quieren hacer realidad un sueño del cual se privaron por temor a la reprobación de la sociedad. Tatuajes: el significado según la zona y la forma ZONA • Brazo u hombro. Interés por sentirse útil; no basta con quedarse mirando, sino mantenerse construyendo, realizando, creando. • Cuello. Se quiere gritar la insatisfacción en la que se vive y, al mismo tiempo, dejar claros los ideales propios, pero se carece del coraje para hacerlo; se da mucha importancia a los valores morales, sin los cuales ninguna iniciativa parece digna de interés. • Espalda. El portador tiene miedo de entrar en juego, de tomar posiciones concretas y huye de decisiones y responsabilidades; asimismo, se trata de alguien que rechaza exponerse. • Mano. Autocontrol, dominio de las emociones; si es en la izquierda es anhelo de poder, en la derecha, ansía justicia. • Muñeca. La persona es incapaz de actuar, y esta sensación de impotencia a la larga acaba por desmotivarle. • Pompas. Le gusta transgredir, sentirse diferente y destacar entre los demás; no tiene miedo a exponerse y le gusta el juego, en el cual participa sin medir consecuencias. • Pie. Deseo de estabilidad, necesidad de tener convicciones; se siente carente de raíces y necesita asumir valores concretos sobre los cuales cimentar su futuro. • Pierna. Personalidad inquieta, en constante movimiento, con deseos de descubrir distintas formas de vivir y comunicar. • Rodilla. Sabe de sus cualidades, pero se niega a aceptarlas; está reprimido y requiere motivaciones externas. • Senos. Siempre da la cara con determinación y coraje a todo, sean situaciones fáciles o difíciles, y está conciente de su atractivo y lo utiliza sin falsos pudores. • Tobillo. Se tienen deseos de libertad, de espacio, y se protesta en forma silenciosa contra la vida cotidiana que le aprisiona; su sueño es liberarse y escapar muy lejos. • Vientre. Es una persona dulce y sensible, con profundo instinto maternal, sueña con una casa, hijos y matrimonio; sabe también como retener al hombre que ama. Pese a ello es insegura, oculta sus sentimientos y sus verdaderos deseos. Ahora bien, además del sitio elegido hay que agregar para la interpretación adecuada el lado del cuerpo en que se encuentre, es decir, si se ubica en el costado izquierdo dejará ver que se trata de alguien introvertido, en quien predominan sueños, deseos y temores, y que sufre considerablemente si es desenmascarado; en tanto, si se dibuja en el lado derecho tiene las ideas más claras, seguridad en quien es y le gusta dejarlo claro. CANTIDAD • Uno. Hay gusto por transgredir, pero se tiene bien identificado el límite, sobre todo el propio, y no permite que alguien pase por encima de él. • Dos. Personalidad de carácter indeciso, que suele tener dos opiniones para una apreciación. • Tres o más. Etapa de rebelión en su vida; en el fondo no acepta la propia personalidad, que en muchas ocasiones es temerosa, susceptible a cometer errores.	FORMA • Ancla. Instrumento de estabilidad, seguridad y tradición; quien lo porta busca un punto sobre el cual asentarse. • Ángel. Necesidad de protección, de trascender y de entrar en contacto con el Universo. • Caballo. Desenvuelto, veloz, dinámico, exitoso y simpático. • Calavera. La victoria sobre la muerte, a la que desafía y enfrenta con seguridad y paciencia. • Corazón. Persona comprometida y pasional, con interés concreto en dar y recibir amor. • Delfín. Devoción, libertad y amistad, disponibilidad de ayuda y apoyo. • Dragón. De carácter recio y cambios radicales de temperamento. • Estrella. Aceptación del destino; necesidad de puntos de referencia o de guía. • Gato. Sensualidad, instinto y suavidad encuadrados en libertad y orgullo por la propia personalidad. • Golondrina. Espíritu viajero, con intenso deseo de libertad y espacios abiertos, aunque también muy familiar. • Luna. Discreción, intuición y feminidad. • Mariposa. Personalidad atractiva que busca el placer de vivir la vida. • Nudo. Alianza, pacto, vínculo y, sobre todo, compromiso. • Pájaro. Deseo de libertad y evasión; capacidad de percibir y valorar la realidad desde las alturas. • Puñal. Fuerte símbolo sexual que sugiere intenso deseo, apuntando al sadomasoquismo; el portador ha sufrido una herida que probablemente no ha cerrado. • Rosa. Símbolo del amor y plena manifestación de uno mismo; transmite deseo romántico, erotismo y plenitud. • Serpiente. Eternidad, estructura cíclica capaz de renovarse; potente emblema de protección y erotismo. •Símbolos étnicos. Búsqueda de las raíces, de la necesidad de pertenecer a un grupo; líneas curvas expresan búsqueda de la feminidad, mientras que las rectas deseo de acción. • Sirena. Mitad mujer mitad pez; se traduce en seducción y encanto, pero también en ayuda a los demás y entrega por amor. • Sol. Símbolo de luz, color, progreso y amor por la verdad a través de claridad de ideas. COLORES • Amarillo. Persona de ideas claras que no le gustan los puntos oscuros, como las mentiras. • Azul. Espiritualidad e intuición, de personalidad sensible y delicada que tiende a la baja autoestima; espera ayuda, protección y buenos consejos. • Negro. Necesita reafirmarse y resaltar con fuerza su personalidad. • Rojo. Expresa intensamente sus emociones, llegando a la agresividad; muy energético, capaz de superar cualquier obstáculo. • Verde. Discreción, ternura, sensibilidad y talento, así como buenos sentimientos, pero no hacia todo el mundo.
Este movimiento (la danza contemporánea) nace como la reacción en contra de las posiciones y movimientos estrictos del ballet clásico, alejándose de cualquier código y medida académica. Utilizando el cuerpo humano como un instrumento de expresión emocional Reconocida mundialmente después de la I Guerra Mundial y portadora de una importante función: la comunicación. Según la mayoría, esta danza se define más por lo que no es que por lo que es. La dinámica del cuerpo proviene de la energía de la persona, haciendo que el movimiento alcance cada segmento del cuerpo. El espacio es utilizado como una vía natural de expresión a través de cada gesto y del dinamismo del movimiento. Muy influenciada por múltiples estilos. Fue desarrollada durante el siglo XIX en América y Europa, de todos sólo uno de ellos permanece en la danza contemporánea de hoy en día: la libertad. Su ejecución no sólo desarrollada en posición vertical, es tan variada que se pueden usar diferentes posiciones y niveles. La forma en la que ocurre es esta siempre caracterizada por la simplicidad y la elegancia de su técnica.	Su historia se puede definir en tres períodos: • 1900: Período marcado por los movimientos libres de las bailarinas, quienes buscaron darle a la danza un sentido más comunicativo, apoyándose en fuentes de inspiración más antiguas a las de occidente. • 1930: En este segundo periodo surguio una ola de bailarines modernos en Nueva York. Para los cuales la fuente del movimiento era más interna que externa, recurriendo a acciones naturales como el respirar o el caminar. • 1945: Este período comenzó al finalizar la II Guerra Mundial y aún posee vigencia. fusionaron técnicas provenientes de la danza social, el ballet y la danza moderna. FIGURAS PIONERAS DE LA DANZA MODERNA Isadora Duncan (1877-1927) De origen al movimiento basándose en la escultura griega. Optó por bailar descalza, apartando las clásicas zapatillas de ballet. Con una sencilla túnica como atuendo. Localizando el origen del movimiento en el chacra del plexo solar y Creando danzas en las que alternaba la resistencia y el abandono a la ley de gravedad. Ruth Saint Denis (1879-1968) Con composiciones basadas en las danzas de la India, Egipto y Asia. Comenzando su carrera como solista, formando posteriormente la compañía Denishawn La danza del futuro ya no se interesará más en las destrezas del cuerpo sin sentido. Si recordamos que en realidad somos el microcosmo, el universo en miniatura, el Baile Divino del futuro debería ser capaz de transmitir con sus gestos más leves algún significado importante del universo. En la medida que nos elevemos en la comprensión de nosotros mismos, las discrepancias nacionales y raciales se disolverán en el ritmo universal de la Verdad y el Amor. Sentiremos nuestra unidad con todas las personas que se mueven con este glorioso ritmo. Parrafo escrito por Ruth St. Denis en el libro no publicado The Divine Dance (1933) Mary Wigman (1886-1973) Muy Inspirada en el mundo asiático y oriental. En sus trabajos, en grupo o como solista, recurrió en muchas ocasiones a máscaras. Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman son: expresionismo, espacio, la danza sin música y el principio de tensión-relajación. Martha Graham 1894 - 1991 Con una técnica basada en la relajación y contracción de la respiración (inhalar y exhalar). Según su concepción, la danza, como el drama hablado, debe explorar la esencia espiritual y emocional del ser humano. Doris Humphrey (1895-1958) Con una técnica se basada en la caída y la recuperación de la dinámica natural de la pisada humana y de la influencia de la fuerza de la gravedad. Las danzas humorísticas, de contenido social y de musicales se hicieron presentes en sus repertorios. José Limón (1908-1972) Mexicano de origen, crea un estilo viril y feroz que a la vez busca una profunda espiritualidad. Su compañía es una de las pocas en Estados Unidos que ha sobrevivido a su muerte.
El arte cinético es una corriente artística, principalmente pictórica y escultórica, basada en el movimiento. Las obras cinéticas están dotadas de movimiento real, juegan con efectos ópticos que lo simulan o incluso provocan que sea el propio espectador el que se mueva para experimentar con sus distintas interpretaciones. Fue en la extinta Unión Soviética, en 1920, cuando Naum Gabo y Antoine Pevsner aprovecharon su Manifiesto Realista para hacer alusión por primera vez al arte cinético, corriente que se hizo especialmente popular en las décadas de los 60 y 70. El arte cinético no sólo está presente en museos y galerías, sino también en los hogares: objetos móviles y coloristas con que se decoran las cunas, juguetes de movimiento continuo.	El videoarte: Wolf Voste y Nam June Paik son considerados los primeros videoartistas. Vostell, en 1959, en Colonia, montó una exposición de contenidos de la televisión que habían sido alterados evidenciando la tensa relación entre televisión y arte. Esta exposición es lo que más tarde se conocerá como vídeo-exposición. Vostell presentó en la Galería Smollin de Nueva York en el año 1963 su «TV De-Collage», que hoy forma parte de la colección del Museo Reina Sofía. Nam June Paik, músico y electrónico coreano obtuvo en 1965 la primera cámara portátil de SONY antes de su comercialización. El 4 de noviembre grabó desde un taxi las calles deNueva York durante la visita del Papa Pablo VI con una finalidad estética para captar una realidad subjetiva, al margen de las funciones de grabación de la televisión. coreano obtuvo en 1965 la primera cámara portátil de SONY antes de su comercialización. El 4 de noviembre grabó desde un taxi las calles de Nueva York durante la visita del Papa Pablo VI con una finalidad estética para captar una realidad subjetiva, al margen de las funciones de grabación de la televisión. Este hecho esta ampliamente discutido pues Sonyno fabricó su portapack hasta 1967. Es una de las tendencias artísticas que surgieron al hilo de la consolidación de los medios de comunicación de masas, y que pretendían explorar las aplicaciones alternativas y aplicaciones artísticas de dichos medios. Se usan medios electrónicos (analógicos o digitales) con un fin artístico. En él se utiliza información de video audio. No debe confundirse con la televisión o el cine experimental) ORÍGENES: La cámara de vídeo es un sistema óptico de registro e interpretación de imágenes. Durante el proceso de grabación la luz converge a través de la lente de la cámara en la superficie fotosensible, una cinta especialmente tratada cuyas bandas magnéticas están dispuestas de manera que puedan grabar un mensaje visual y sonoro para una reproducción posterior. La cinta de vídeo no puede ser vista fotograma a fotograma como sucede en las películas de cine. A diferencia de éste, en el que el movimiento se consigue mediante una animación de la fotografía consistente en la proyección de 24 imágenes fijas por segundo, en el vídeo la imagen está compuesta por electrones en continuo movimiento que barren la superficie del monitor. Además, el vídeo no requiere procesarse y editarse, aspecTo que lo hace considerablemente económico -por lo que se convirtió en seguida en un medio de expresión al alcance de muchos artistas-, y lo dota de una espontaneidad e inmediatez que fue fundamental para los primeros artistas en usarlo.
EL ARTE KITCH: La palabra kitsch se origina del término alemán yiddish etwas verkitschen. Define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de o de mal gusto. Ridículo. Se denomina así a objetos caracterizados por supuesta inautenticidad estética y su formalismo efectista, que persigue una gran aceptación comercial. El kitsch, como categoría artística, funciona dentro del contexto aristocrático -enjuiciador que determina un “buen” y un “mal” arte... cuanto más productos kitsch hayan, más brillará la apreciación de la autenticidad del arte, como sello de garantía del mismo. De este modo, se establece que el kitsch no es algo simplemente alejado del arte, sino su antítesis: este estilo posee las características extrínsecas de aquél, pero funciona como su negación. La esencia del kistch, para los moralistas del arte, consiste en la sustitución de la categoría ética con la categoría estética: el artista o realizador se impone generar no “un buen trabajo”, sino un trabajo “agradable” , dado que lo que más importa es el efecto. El kitsch, según el concepto común que se tiene del mismo, no pretende ni pide nada más a los espectadores que su dinero, ni siquiera su tiempo (tiempo aplicado a la reflexión de la obra, por ejemplo). EL RELOJ KITSCH Como ejemplo de objetos kitsch vamos a analizar diferentes ejemplo de relojes. La mayor parte de estos relojes se pueden adquirir en internet es un ejemplo del carácter mediático y de masa del Kitsch. CONCLUSIÓN El kitsch, no es un fenómeno que se refleje solamente en los objetos, sino además se da en otros medios como la música o la literatura. Un ejemplo de este fenómeno en la música lo vemos en adaptaciones simplificadas de grandes obras orquestales, o mediante la incorporación de coros o repeticiones, inexistentes en la obra original. Una muestra de ello es la canción que hizo Miguel Ríos, realizó una adaptación de la Novena Sinfonía de Beethoven. Un ejemplo en la literatura es la siguiente cita: “...¡Oh, sol!¡ Tú sin el cual las cosas no serían lo que son! ” E. Rostand. El paisaje es parte fundamental de la obra, el que indica muchas veces el que hacer. El arquitecto dialoga primero con el entorno y posteriormente la obra seguirá esta conversación. Así podrá surgir esta transformación que permita esta experiencia artística, recuperar valores ancestrales, comunicar ideas, pensamientos y sensaciones.	El LAND-ART establece un diálogo, muchas veces de carácter arquitectónico, con la naturaleza. Nos sitúa ante el mundo como un mundo expuesto que requiere de la contemplación, colocándonos en posición de “espectadores”. Cuando hablamos del “Land Art” lo estamos haciendo de un arte que utiliza la naturaleza para transformarla, pero no desde un ángulo crítico desde el cual mostrarnos el uso violento e indiscriminado al que el hombre somete a la naturaleza. No, la realidad es impresionarnos con la aprehensión de un paisaje majestuoso y natural, alterado de diferentes maneras y donde lo ecológico y su preservación no sólo no es tenido en cuenta, sino que en ocasiones se ha señalado al “Land Art” como responsable de posibles daños contra la flora y la fauna en los lugares donde han sido hechas sus “instalaciones”.